¿Cómo rentabilizar el tiempo de estudio de grabación?

Existen mil maneras de hacer música, pero en este texto, sólo nos estamos refiriendo al trabajo acústico, sin teclados que imitan sonidos a través del sampler o el Midi (el “sampler” es un sonido tomado del original acústico, y convertido en un recurso electrónico a través de un teclado, y el Midi es la interfase con la que se transfiere al computador que recoge toda la data sonora –Musical Instrument Digital Interface).

De acuerdo a mi experiencia, la cual deseo compartir con ustedes, es imperativo rentabilizar las horas de estudio para ahorrar dinero. Por ende, dependiendo de la instrumentación que se va a utilizar, se deben cuadrar sesiones de grabación bastante eficientes. Por ejemplo, si tenemos a un trío base en casi todos los temas, tales como piano, bajo, batería y/o guitarra, lo ideal es grabarlos juntos; sin embargo, para que salga bien sin perder demasiado tiempo, es muy necesario o que hayan ensayado previamente lo suficiente, o que formen parte de un grupo que ya lleve algún tiempo tocando juntos. Si no, deben grabarse por separado. La batería de todos los temas, utilizando metrónomo; luego la base armónica, ya sea piano o guitarra, o ambos. Después el bajo o contrabajo y, por último, los instrumentos solistas si los hay, que serían los melódicos.

Las voces serán grabadas al final de todo, idealmente. Por lo general, un buen cantante puede tardar una hora por tema; en el peor de los casos, pudiera llevarle hasta dos horas hacerlo.

¿Conoces la diferencia entre mezcla y masterización?

El proceso de mezcla y masterización de un disco es bastante complejo y laborioso. Es un trabajo que sólo un muy buen ingeniero de sonido puede hacer.

En el proceso de mezcla, luego de obtener una buena grabación, cada instrumento será procesado individualmente pada darle toda la ganancia, nivel y ecualización que requiera. Posteriormente se procederá a incorporarlos uno a uno al total de la grabación. Para obtener una buena mezcla, que las grabaciones sean lo más impecables posible, es determinante. Ni los ingenieros de sonido ni las “mezclas” pueden hacer milagros si las grabaciones no están libres de ruidos o desafinaciones, por ejemplo.

Ya realizada la mezcla, habiendo trabajado todos los instrumentos para disponerlos de la manera que se desea, en volumen y presencia, se procede entonces a la masterización. La misma consiste en colocar todos los temas ya terminados en un formato de audio en el que ya se encuentran unificados, para ponerlos dentro del denominado “Master”, en un nivel que sea muy parejo y equitativo entre todos los temas del disco.  De esta manera, se busca lograr cierta homogeneidad en el sonido general.

Esta reflexión deriva del artículo del musicólogo chileno Juan Pablo González, titulado «El canto mediatizado: breve historia de la llegada del cantante a nuestra casa» (de la Revista Musical Chilena 54.194- Año 2000): 26-40. Fragmento). En él relata brevemente cómo la llegada del micrófono y el desarrollo de la reproducción y captación del sonido mecánicas, (grabaciones y la radio), fue modificando la forma de cantar de aquellos grandes cantantes cubanos y mexicanos de la época (desde los años 1900´s), utilizando de ejemplo dos casos específicos que son los Juan Arvizu (México) y Lucho Gatica (Chile).

Destaca que en los inicios de la era discográfica, dada la precariedad de los equipos de grabación, se requerían voces potentes para que pudieran ser bien capturadas. Por ello, eran los cantantes de ópera (tenores, sopranos, barítonos), los protagonistas del desarrollo de esta industria. Esto agregaba, además, una especie de status privilegiado de seriedad y prestigio. Asimismo, era de alcurnia tener un fonógrafo, y posteriormente un gramófono o radio, en casa; tal como lo fuera en su momento el piano.

Pero con la llegada del micrófono, la exigencia vocal ya no era tan necesaria, pues este pequeño artefacto amplificaba el sonido. Reseña el caso de Bing Crosby como el pionero en una forma de cantar distinta, y la cual se denominó “indiferencia natural”, una especie de desparpajo al cantar. De allí deriva la llamada “canción melódica”, un canto relajado y romántico que fue catalogado por los puristas como “sensiblero”, rechazo natural a lo “nuevo”. El caso es que con el micrófono, el cantante podía, si quisiera, susurrar la canción al oído de la audiencia. La canción popular surge en los años 20´s como un género del “intérprete especializado”.

El bolero llega a México desde Cuba en esos años, cuyos primeros intérpretes mexicanos eran grandes tenores. Ya por influencia de vuelta (México-Cuba), el propio bolero cubano se modifica pasando del cantar al decir, del aria al “arioso” y aparece el modo de cantar “feeling” de los 40´s, por influencias del jazz (César Portillo de la Luz).